Jon Lorin

Música original para historias que necesitan respirar

Jon Lorin compone para videojuegos narrativos, instalaciones inmersivas y cortometrajes desde Buenos Aires. Cada encargo arranca con una premisa narrativa y se traduce en temas que acompañan la imagen sin taparla: instrumentación acústica y electrónica, bucles largos, capas que responden al movimiento del público y silencios que también están compuestos.

El sitio no reproduce música sin autorización. Las muestras se organizan por atmósfera y cada pieza incluye créditos y condiciones de uso antes de cualquier escucha.

Jon Lorin Cómo se compone una atmósfera Notas del estudio

Jon Lorin: intro focus — Escucha atenta antes de escribir la primera nota.

Contanos qué necesitás escuchar

Antes de escribir, conviene tener a mano la premisa narrativa del proyecto. No hace falta un guion cerrado: alcanza con saber qué historia se quiere contar, en qué formato va a vivir y qué lugar debería ocupar la música dentro de esa experiencia.

Si el encargo es para un videojuego narrativo, sirve mencionar cómo se juega, qué decisiones toma la persona que juega y en qué momentos la música debería aparecer o retirarse. Para una instalación inmersiva, en cambio, lo más útil es describir el recorrido, la cantidad de altavoces disponibles y si el público se mueve libremente por la sala. En el caso de un cortometraje, conviene indicar la duración, el estado del montaje y si ya existe sonido directo con el que la música tendrá que convivir.

También ayuda saber si hay referencias sonoras concretas, aunque sean aproximadas, y si el proyecto tiene una fecha de entrega estimada. Con ese contexto se puede evaluar el alcance real del trabajo y proponer un camino posible.

Formato y contexto del proyecto: videojuego, instalación, cortometraje u otro soporte audiovisual.
Atmósfera buscada y, si existen, referencias musicales o sonoras que orienten la búsqueda.
Plazo estimado y etapa en la que se encuentra el material con el que se va a trabajar.
Alcance de uso previsto, para poder conversar después las condiciones de licencia.

El formulario de encargos y los datos directos del estudio están en la página de contacto. Las condiciones de uso y los datos personales se detallan en la política de privacidad.

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Notas que siguen la conversación

Tres lecturas que profundizan en lo que aparece en el inicio: cómo se arma una atmósfera sonora desde una premisa narrativa, cómo se representa el sonido en pantalla sin cansar la vista y cómo cambia la composición cuando el público se mueve dentro de la obra.

Cómo se compone una atmósfera sonora para un videojuego narrativo

Del guion al tema principal: qué información debe cargar cada escena, qué conviene dejar afuera y cómo se prueban los bucles dentro del motor antes de cerrar una versión.

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Ondas sonoras discretas: animación visual sin distraer a la historia

Intensidad, frecuencia y contraste son decisiones de diseño, no de adorno. La nota revisa cómo respetar la preferencia de movimiento reducido y mantener el foco visible en los controles.

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Música para instalaciones inmersivas: espacio, recorrido y tiempo

Cuando el público decide dónde estar y cuánto quedarse, la música tiene que funcionar en cualquier punto del recorrido. Capas que se activan por posición, bucles largos y pruebas en sala.

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El archivo completo, con artículos sobre silencio narrativo, licencias de encargo y trabajo de campo, está reunido en el blog del estudio.

Lo que cambia cuando la música escucha antes de sonar

Jon Lorin compone música original para videojuegos narrativos, instalaciones inmersivas y cortometrajes. Cada encargo arranca de una premisa narrativa, no de una lista de géneros: primero se entiende qué debe decir la escena y qué conviene dejar afuera. Recién después se elige instrumentación, tempo y silencios.

Para ver cómo se traduce una premisa en un tema jugable, conviene leer cómo se compone una atmósfera sonora o escribir directamente a contacto con el proyecto en mano.

La música acompaña, no compite: En un videojuego narrativo el diálogo y la acción cargan la información principal. El trabajo consiste en abrir espacio para que quien juega interprete, en lugar de subrayar cada emoción con un tema. Eso implica decidir cuándo entrar y, sobre todo, cuándo quedarse afuera.
Capas que responden al movimiento: En una instalación inmersiva el público elige dónde pararse y cuánto quedarse. Por eso se trabaja con bucles largos y capas que se activan según la posición, de modo que la mezcla funcione igual en cualquier punto del recorrido y no delate su inicio.
Instrumentación acústica y electrónica: El estudio combina fuentes acústicas con síntesis y procesamiento digital. No hay una paleta fija: la elección depende del tono del proyecto y de cuánto ruido de fondo tolera la escena. La mezcla se prueba en el contexto real de uso antes de cerrar una versión.
Silencios deliberados: Hay escenas donde la mejor decisión es no intervenir. Reservar tramos sin música puede sostener mejor la tensión que cualquier tema, sobre todo en cortometrajes donde el sonido directo y la actuación ya cuentan lo necesario. Esa decisión se conversa con dirección y montaje.
Licencia clara desde el primer intercambio: Alcance, territorios, plazo y usos derivados se acuerdan antes de empezar a componer. El sitio no reproduce música sin autorización: ofrece muestras por atmósfera, créditos e información de licencias para que cada equipo sepa con qué está trabajando.